Lagu Puisi Lubuk Hati Bicara; Panorama Masa Lalu dalam Jalinan Rupa dan Nada Untung Basuki

oleh teraseni | Okt 20, 2017 | Uncategorized

Jumat, 20 Oktober 2017 | teraSeni.com~

“Mari kita bersama-sama berada dalam ruang angan-anganku”

Demikian sepenggal kalimat ajakan yang dilontarkan oleh Untung Basuki kepada hadirin dalam ruang pagelaran lagu puisi, Senin malam, 2 Oktober 2017 di Pendhapa Art Space Sewon Bantul. Untung Basuki mengajak hadirin yang berada di arena pagelaran untuk masuk ke dalam dimensi waktu masa lampaunya. Masa lampau Untung Basuki ketika dalam proses kerja kreatif untuk menghadirkan karya lagu puisi-puisinya. Setting panggung yang dibuat meniru kamar tidur Untung Basuki di masa muda, memberi efek visual yang melengkapi romantisme masa lampau seorang Untung Basuki. Pergelaran ini semacam “rekonstruksi”, reka ulang peristiwa-peristiwa kebertubuhan Untung Basuki. Mencoba merefleksikan kembali jengkal demi jengkal pengalaman hidup yang pernah dilaluinya.

Senin malam, 2 Oktober 2017 di Pendhapa Art Space, Untung Basuki mencoba merefleksikan kembali jengkal demi jengkal pengalaman hidup yang pernah dilaluinya (Foto: Rakhmat)

Untung Basuki dan Ruang Angan-angannya
Karya-karya lagu puisi Untung Basuki merupakan hasil respon dari apa yang ia lihat, dengar, rasakan dari dalam diri dan lingkungan. Karya lagu puisi yang membicarakan tentang dirinya sendiri juga menjadi media untuk membicarakan wacana kritis atas konstelasi sosial politik pada masa itu. Lagu puisi yang tercipta atas intuisi dan digarap melalui daya musikal seorang Untung Basuki. Ia berujar bahwa lagu puisinya diciptakan berasal dari “lubuk hati”. Lubuk hati yang menghadirkan lapis-lapis estetis kemudian memberi efek perasaan kepada penikmatnya.

Diawali dengan lagu puisi berjudul Lepas-lepas, kemudian Pakde (panggilan akrab kami) masuk mengelilingi arena pagelaran menggunakan sepeda onthel. Lalu ia naik di atas panggung, dengan senyum khas dan perawakan yang tidak muda lagi, namun tetap energik , Pakde menyapa hadirin yang mayoritas adalah teman-teman “seperjuanganya” dengan ramah. Pergelaran yang komunikatif dan tidak terkesan formal melarutkan hadirin dalam suasana yang santai dan penuh dengan kebersahajaan. Malam itu Pakde tidak sendirian di atas panggung, ia ditemani oleh beberapa sahabat-sahabatnya antara lain Navika Pramestya dan Picul Siwi Asmara. Bersama Vika, Pakde menyanyikan lagu puisi berjudul Ingin Ku Gambar, sedangkan bersama Picuk Siwi Asmara, Pakde membawakan lagu puisi berjudul Hutan Pinus.

Untung Basuki mengajak hadirin untuk masuk ke dalam dimensi waktu masa lampaunya, ketika ia menciptakan karya lagu puisi-puisinya (Foto: Rakhmat)

Sebagai seorang seniman dengan latar belakang pendidikan seni rupa dan pernah menimba ilmu sastra dan teatrikal di Bengkel Rendra, karya-karya lagu puisi Untung Basuki memiliki karakteristik yang unik, salah satunya yaitu warna suara pakde Untung yang kental dengan dialek Jawa, menghadirkan intonasi dan artikulasi yang medog. Susunan nada-nada lagu terkesan sederhana, tidak berkutat pada teknik vokal atau permainan gitar yang rumit, lirik-lirik dengan bahasa yang lugas namun tetap terasa puitis salah satunya dalam penggunaan metafora-metafora didalam sajaknya. Pembawaan  musikal yang “apa adanya” menyiratkan “kesederhanaan” Untung Basuki dalam kesehariannya, tercermin juga dalam karya-karyanya.

Karya-karya lagu puisi Untung Basuki merupakan olahan kreatif atas aktivitas ide dan imajinasi seorang perupa. Pertunjukan Untung Basuki dan lagu puisinya terbaca bak “rupa nada”, ibarat lukisan yang melantunkan nada-nada. Lukisan yang lazimnya dinikmati oleh pandangan mata, menjadi lukisan auditif yang tak tertangkap oleh visual, yang terletak dalam bayang-bayang imajinasi. Penggambaran panorama imajinatif dan interpretatif sebagai respon pengalaman diri, kemudian diwujudkan dalam karya lagu puisi. Penciptaan karya musik melalui kacamata seorang perupa dengan bekal estetisnya, menghadirkan elaborasi ide-ide musikal yang nampak dalam salah satu lagu berjudul “Ingin Kugambar”.

Penulis membaca lagu tersebut sebagai ruang “negosiasi” diantara ide/gagasan dan gambar, antara ide dan gambar tersebut terdapat ruang kreatif, ruang kerja kreatif  seorang Untung Basuki untuk menghadirkan lagu puisi. Entah siapa yang ia ingin gambar, entah siapa yang ia imajinasikan. Entah terealisasi atau tidak, karya berupa gambar dari sosok subyek yang ingin Pakde gambar, yang jelas ada satu harapan yang ingin diungkap dalam lagu ini, sebuah harapan besar yang tersirat pada akhir liriknya yaitu “Matanya tajam menembus, masa depanku, basuki.. basuki.. basuki.. basuki”.

Sally Dansgezelschap Maastricht: Dari Ballet Ke Ihwal Kekinian

oleh teraseni | Okt 19, 2017 | Uncategorized

Kamis, 19 Oktober 2017 | teraSeni.com~

Pertunjukan tari kontemporer dari Sally Dansgezelschap Maastricht (SDM) digelar di beberapa kota Indonesia, seperti Yogyakarta (7/10), Surakarta (9/10), dan Jakarta (11/10). Erasmus Huis berhasil menghadirkan di Indonesia kelompok tari kontemporer yang telah malang melintang menghasilkan 30 karya dalam rentan waktu tiga dekade. Bekerja sama dengan Warta Jazz, kelompok pertunjukan yang digawangi Stefan Ernst dan Ronald Witjens ini digelar di Pendhapa Art Space, Bantul, Yogyakarta.

Tarun ini pertunjukan SDM diberi tajuk Performance Skyline, merujuk salah satu judul repertoar baru yang menjadi repertoar terakhir dalam pertunjukan tersebut. Pertunjukan yang berhasil menghadirkan tarian karya baru berbasis tari tradisi (baca: ballet), terdiri dari empat repertoar pertunjukan, yakni “The Golden pas de Deux” karya Stephen Shropshire; “It just Happens for a Reason” karya Luis Ricardo Pedraza Cedrón; “Alone Together” karya Patrizio Bucci; serta karya “Skyline” karya Stefan Ernst, Itzik Galili, Roy Assaf.

Pertunjukan tari kontemporer Sally Dansgezelschap Maastricht digelar di Pendhapa Art Space Yogyakarta 7 Oktober 2017 (Foto: Aji Wartono)

Hal yang menarik, empat repertoar pertunjukan tersebut menyoal hal yang tidak jauh berbeda, yakni kehidupan sehari-hari—soal-soal yang kerap diangkat oleh koreografer tari kontemporer. Interpretasi masing-masing koreografer dari tersebut lantas berpadu dengan kosa gerak ballet. Terlebih, “Setiap koreografer dan penari mempunyai basis ballet yang kuat”, ungkap Stefan Ernst (pimpinan SDM). Dalam hal ini, Ballet menjadi cara tutur untuk menyampaikan sebuah gagasan.

Namun yang menarik, nuansa dan kedalaman yang masing-masing koreografer buat tidak seragam. Selain terkait dengan interpretasi yang secara sendirinya berbeda, hal ini tentu terkait dengan berbedanya basis ballet yang mereka pelajari. Dalam hal ini, ballet tidaklah tunggal. Terdapat perbedaan pada fokus gerak serta kedalaman, antara ballet Jerman, ballet Perancis, dan seterusnya. Hal ini tentunya mempengaruhi habitus dari koreografer yang berasal dari negara yang berbeda-beda pula. Lantas mereka bertemu serta menghasilkan karya di SDM, membuat ballet menjadi bervariasi baik secara sumber penciptaan, kosa gerak, serta orientasi penonton.

Ballet yang Beraneka
Pertunjukan diawali dengan repertoar tari berpasangan bertajuk The Golden Pas deDeux, karya koreografer, Stephen Shropshire. Dalam ballet, terma Pas de Deux memang tidak asing. Terma tersebut merujuk pada tari ballet berpasangan. Shropshire—sebagai koreografer—ingin mewujudkan esensi dari tari berpasangan tersebut melalui karya koreografinya.

Pada pertunjukan ini, kedua penari menggunakan pakaian ballet yang lebih modern, yakni hanya pakaian berwarna hitam yang merekat pada tubuh, baik penari perempuan ataupun laki-laki. Repertoar pertama ini didominasi sifat gerakan ballet pada umumnya, yakni levitasi. Kosa gerak ballet pun terasa utuh, baik melompat, berjinjit, berputar, menggendong penari lain, yang merujuk pada gerak-gerak menawan secara visual.

Sebagai repertoar pertama, rasanya tepat SDM membuka pertunjukan dengan memberikan keindahan visual ballet. Hal ini tentunya memberikan pondasi referensi yang tegas antara ballet yang ansih dengan tari kontemporer berbasis ballet. Dalam karya tersebut, kedua penari dapat memberikan nuansa ballet yang kental dengan gerakan-gerakan eksplorasi atas kosa gerak ballet yang dikelindankan dengan gerak keseharian. Namun porsi gerak keseharian tidak terlalu dominan pada repertoar pertama.

Repertoar kedua bertajuk It Just Happens for a Reason karya Luis Ricardo Pedraza Cedrón dalam Gelaran tari kontemporer Sally Dansgezelschap Maastricht   (Foto: Aji Wartono)

Sedangkan repertoar kedua bertajuk It Just Happens for a Reason karya Luis Ricardo Pedraza Cedrón. Yang menarik dari karya kedua adalah sang koreografer menarikan tunggal karyanya secara langsung. Alhasil mulai dari konsepsi, pembawaan, nuansa, hingga gerak yang dikoreografikan berasal dari sang koreografer secara langsung.

Di awali dengan seorang laki-laki (baca: Cedrón) berpakaian kasual berjalan dari arena penonton. Perlahan menaiki panggung, ia melepas sepatunya. Kemudian sekejap ia bergerak berbeda, dimulai dengan berlari kecil, mendekap, berputar, hingga lompatan-lompatan tinggi ala ballet. Berbeda dengan karya sebelumnya, karya dari Luis Cedrón ini berorientasi pada gagasan, kombinasi gerak, hingga pakaian yang lebih kekinian.

Di Indonesia, beberapa kecenderungan seperti penggunaan pakaian, sturktur pertunjukan di awal dan akhir—khususnya keterkaitan dengan penggunaan artistik (baca:sepatu)—hampir dapat dipandankan dengan karya Sherli Novalinda dengan karyanya yang bertajuk “Meniti Jejak”.

Kembali pada karya, secara gagasan, Cedrón ingin mengajak penonton merespon kehidupan sehari-hari yang divisualkan melalui gerak-gerak ballet. Dalam hal ini Cedrón memang mempunyai basis tubuh ballet yang matang, namun alih-alih mewujudkan setiap gerak ballet, Cedrón melakukan pelbagai kombinasi geraknya dengan gerak-gerak modern dan gerak keseharian.

Repertoar bertajuk Alone Together karya Patrizio Bucci, membawa gagasan yang mendalam atas tubuh, yakni kesendirian dalam kebersamaan  (Foto: Aji Wartono)

Kombinasi tersebut menjadi sangat menarik secara visual, di mana gerak yang dipertunjukan tidak hanya merujuk pada praktik stilisasi gerak, melainkan memperlihatkan distorsi gerak tubuh. Hal ini menjadi semakin selaras dengan pilihan Cedrón menggunakan pakaian kasual dalam pertunjukannya.

Pada repertoar ketiga, pertunjukan bertajuk Alone Together karya Patrizio Bucci. Karya kontemporer ini membawa gagasan yang mendalam atas tubuh, yakni kesendirian dalam kebersamaan. Karya ini dapat dibaca dan ditautkan pada persoalan kini yang tidak terbatas pada kultur, sosial, ataupun teritori, semisal pada praktik penggunaan gawai oleh keluarga Indonesia, dan sebagainya. Karya ketiga ini membawa gagasan yang universal dan melulu berulang. Gagasan tersebut lantas berpadu-padan dengan kosa gerak ballet—khususnya tari berpasangan—dengan orientasi pada kekuatan.

Karya ketiga ini ditarikan oleh seorang penari laki-laki berbadan tegap dan berotot (Pedro Ricardo) yang mempunyai kosa gerak ballet yang baik dan seorang perempuan berambut bondol (Amy Greene). Pada karya ketiga, gerakan diawali dengan gerak individu dan eksplorasi—baik gerak ataupun ruang—, namun setelahnya interaksi gerak yang diciptakan lebih beragam dan mendalam, seperti ketika laki-laki menangkap perempuan yang melompat lalu memutarkan tubuhnya di dalam dekapannya, penari perempuan yang bercangkung bertumpu pada dengkul sang laki-laki, dan sebagainya.

Sedangkan pada repertoar terakhir adalah pertunjukan puncak yang bertajuk Skyline. Sebelum dimulai, Stefan Ernst mengungkapkan bahwa karya tari tersebut baru diluncurkan beberapa minggu sebelum kedatangannya ke Indonesia. Karya ini menceritakan tentang rasa cinta dari lima individu yang berbeda. Secara lebih lanjut, karya ini menceritakan tentang pertemuan, perbedaan, kepercayaan, kebersamaan, dan cinta. Karya tersebut dicipakan oleh Stefan Ernst, Itzik Galili, dan Roy Assaf.

Berbeda dengan tiga karya sebelumnya, Skyline diawali dengan porsi kosa gerak ballet yang lebih tersirat. Sedangkan gerakan keseharian lebih mempunyai porsi yang lebih banyak. Karya ini lebih wantah dalam pesan, di mana ditandai dengan tiga buah kertas yang bertuliskan Everything You Want Is On Other Side of Fear pada awal pertunjukan, dan Everything You Want is Love di akhir pertunjukan, direntangkan oleh tiga dari lima penari terlibat. Maksud hati tulisan tersebut menambah kesan mendalam pada koreografi yang telah disusun, tulisan tersebut justru membuat pertunjukan menjadi hambar.

Repertoar terakhir bertajuk Skyline, berkisah  tentang rasa cinta dari lima individu yang berbeda  (Foto: Aji Wartono)

Tidak hanya itu, gagasan yang ingin disampaikan agaknya terasa terlalu berlapis. Dalam hal ini gagasan yang membentuk cerita bukan menjadi soal, namun sisipan atau lapisan cerita yang berlebih membuat tingkat sublim pertunjukan menjadi penuh resiko. Dan malam itu, resiko tersebut harus ditanggung mereka. Tidak hanya itu, beberapa gerak yang dikoreografikan untuk menyusun gagasan tersebut seraya terasa mentah, dengan rangkaian alur yang agak dipaksakan.

Usut punya usut, terjadi beberapa penyesuaian dan perubahan pada repertoar Skyline ini, ungkap Stefan Ernst. Penyesuaian tersebut cukup banyak, seperti: seperti durasi pertunjukan yang semestinya 59 menit dipotong menjadi 20 menit; artistik yang semestinya tembok yang kelak dieksplorasi; serta beberapa alur yang dirasa beresiko jika dipertunjukan di Indonesia; dan sebagainya. Atas dasar inilah, segala dugaan menjadi benar. Namun seyogianya, hal tersebut dapat diatasi, seperti orientasi panggung yang dilakukan beberapa hari sebelumnya, riset orientasi penonton, hingga pengaturan ulang alur yang termanifestasikan pada gerak.

Ambil Baiknya Buang Buruknya
Kita dapat menuduh bahwa SDM tidak ‘siap’ pada repertoar Skyline, karya yang digadang-gadang oleh mereka. Namun perlu dicatat, kerja memeras karya yang berdurasi panjang menjadi terbatas, dan layak dipertontonkan itu juga kerja yang perlu diapresiasi. Semisal, kita perlu mengapresiasi beberapa gerak yang memang inspiratif, seperti ketika seorang penari berjalan di antara dengkul penari lainnya, simbol gerak dari ‘kerjasama’, seorang penari menjatuhkan diri ke keempat penari lainnya, simbol gerak dari rasa ‘percaya’, serta beberapa gerak lainnya turut terbentuk dengan pesan-pesan serupa.

Secara lebih lanjut, Stefan menyatakan bahwa orientasi SDM memang lebih kepada pesan-pesan sosial yang disematkan pada gerak. Dengan demikian, cukup jelaslah jika SDM membuat karya untuk banyak usia. Dalam hal ini, karya SDM dibuat berdasarkan negosiasi antara gagasan tari dan orientasi penonton yang akan disajikan—dalam hal ini usia. Namun SDM tidak wantah mewujudkan tari kontemporer untuk penonton anak-anak dengan sikap atau visual seperti anak-anak, melainkan mencari jalan tengah yang lebih berat ke ranah estetik.

Repertoar terakhir bertajuk Skyline, tampil sebagai penutup Pergelaran tari kontemporer Sally Dansgezelschap Maastricht   di Pendhapa Art Space Yogyakarta (Foto: Aji Wartono)

Begitupun dengan Skyline, harapan Stefan di dalam repertoar ini dapat memberikan rasa cinta yang beraneka ragam, baik, ras, kultur, sosial, ekonomi, usia, serta jenis kelamin. Maka diwujudkan lah kelima penari yang mewakili asosiasi tertentu satu sama lain. Semestinya, Skyline dapat memberikan satu pengalaman baru untuk masyarakat kita, yang tidak hanya berwarna secara visual, melainkan secara pendalaman gagasan yang matang. Dan mungkin hal tersebut dapat dipetik jika repertoar Skyline dipertunjukan utuh.

Bertolak dari itu semua, SDM telah memberikan referensi gerak ballet yang menarik. Mereka telah memberikan secuil dari cakrawala ballet yang luas. Dari SDM, kita juga perlu telusuri atas sikap mereka dalam mengimani tari kontemporer yang berbasis tradisi. Di mana mereka dapat mewujudkan tari kekinian tanpa meninggalkan tradisi mereka—walau hanya tersisa nuansa tradisi sekalipun. Negosiasi-negosiasi tersebut lah yang menarik untuk diamati. Hal yang kiranya cukup akrab dengan beberapa koreografer tari kontemporer di Indonesia.[]
           
                     

Der Bau: Tubuh yang Meruang dan Ruang yang Menubuh

oleh teraseni | Okt 13, 2017 | Uncategorized

Jumat, 13 Oktober 2017 | teraSeni.com~

Ada yang tidak biasa dari pertunjukan tari kontemporer bertajuk Der Bau karya Isabelle Schad dan Laurent Goldring. Selain bertumpu pada praktik alih wahana dari karya sastra ke tari, karya yang diselenggarakan oleh Goethe Institut di Komunitas Salihara pada akhir bulan September (29-30) 2017 ini terbilang cukup berani. Pasalnya sang penari tunggal, Isabelle memutuskan untuk tidak mengenakan sehelai busana pun di dalam karyanya.

Namun pilihan Isabelle ini cukup matang dan beralasan. Ketelanjangan tubuh yang dipilih tersebut merupakan pengejawantahan atas interpretasinya pada karya sastra yang bertajuk “Der Bau” dari Franz Kafka. Karya yang dibuat oleh sang novelis Ceko pada tahun 1923-1924 tersebut membahas tentang tubuh dan sarang. Dalam hal ini, sarang terdiri dari jejak, harapan, keraguan, langkah yang terbuat dari tubuhnya sendiri. Sarang tersebut kelak menjadi bagian tubuh yang tidak terpisahkan dari sang empunya tubuh.

Der Bau, Koreografi karya Isabelle Schad dan Laurent Goldring (Foto: Laurent Goldring)

Isabelle dan Laurent menginterpretasikan tubuh dan sarang ke dalam interaksi pertama antara tubuh dan ruang, yakni rahim. Rahim disadari sebagai ruang pertama yang dialami dan ditinggali tubuh. Bermula dari hal tersebut, pilihan Isabelle untuk menampilkannya tanpa busana menjadi masuk akal. Namun sensasi atas ketelanjangan bukanlah hasil akhir dari tafsir rahim, melainkan rahim sebagai ruang pertemuan tubuh dengan segala kompleksitasnya.

Dalam mengisi ruang, kerja koreografi Isabelle pun tidak menampilkan gerakan-gerakan indah, bahkan lebih banyak yang dimulai dari gerakan sederhana. Isabelle memilih gerakan-gerakan yang tidak lazim namun sarat makna—dengan teknik dan eksplorasi yang mendalam. Yang menarik, tiap gerak Isabelle mempunyai kepekaan visual yang ramah di mata. Secara lebih lanjut, Laurent Goldring berperan signifikan atas hal tersebut.

Dampak dari pilihan gerak, kepekaan visual, serta kedalaman tema lantas membuat ketelanjangan yang kerap diasosiasikan erotis dapat diubah. Dalam hal ini, Isabelle dan Laurent memberikan satu cara pandang alternatif dalam menerjemahkan ketelanjangan sebagai satu kesadaran media ungkap.

Dalam Der Bau, Isabelle dan Laurent menginterpretasikan tubuh dan sarang ke dalam interaksi pertama antara tubuh dan ruang, yakni rahim (Foto: Laurent Goldring)

Selain pendalaman gagasan dan penelusuran kemungkinan gerak yang matang, karya Der Bau turut didukung oleh Emma Juliard pada penataan cahaya dan Peter Böhm dalam penataan suara. Emma Juliard mewujudkan gagasan Isabelle pada bentuk pencahayaan yang khas. Berbentuk persegi, kain berwarna kusam dipasang di langit-langit panggung. Kain tersebut membuat cahaya menjadi teram temaram, terkesan suram.

Sedangkan pada tata suara, Peter menggunakan sumber bunyi yang lebih dekat dengan keseharian, seperti suara guratan kapur, suara dengungan besi, hingga desiran ombak. Rangkaian suara yang merespon tiap gerak Isabelle ini lantas ditempatkan menyebar (baca: surround). Dampak dari penataan suara semacam ini membuat batas panggung dan arena penonton semakin kabur secara aural. Atas hal ini, tidak muluk-muluk jika mengatakan karya Der Bau ini hasil kerja antar bidang yang selaras.

Tubuh “Sarang” yang Menubuh
Diawali dengan pencahayaan yang temaram, Isabelle membungkuk di sisi belakang panggung. Kedua tangannya berpijak di kedua kakinya—persis orang kelelahan. Beberapa saat kemudian, ia menggerakan kedua bahunya secara perlahan. Dilakukannya berulang kali hingga bahunya bergerak pada tempo yang cepat tapi tak teratur. Setelah itu gerakannya berangsur melambat, dan mulai menggapai beberapa bagian kaki, seperti: dengkul, juga mata kaki. Yang menarik, terdengar suara kapur yang tergurat ke papan di tiap kali ia menyentuh kakinya, laiknya tata suara Peter Böhm merespon tiap gerak Isabelle.

Isabelle yang tengah menggerakan tangannya dengan cepat mulai mengambil selembar kain berwarna hitam. Lantas kain panjang tersebut ia gerakan di antara tubuhnya, ke atas dan ke bawah. Kelamaan, ia membuat sebuah pola gerakan lingkaran yang dikibaskan ke wajahnya. Lalu ia merentangkan kain tersebut menutupi keseluruhan tubuhnya. Ia berjalan ke arah depan panggung dengan kain tertutup dan kembali berjalan mundur menggelar kain tersebut hingga ke area belakang panggung.

Der Bau, dipentaskan oleh Goethe Institut  di Komunitas Salihara, 29 dan 30 September 2017(Foto: Laurent Goldring)

Di belakang panggung, ia mulai bergerak dengan putaran tangan yang lebih besar. Kain tersebut ia biarkan terjatuh, sementara gerakan tangannya tetap memutar. Setelahnya ia kembali membungkuk, mengambil kain dengan warna yang sama di sisi kiri panggung dan mulai menggerakannya. Alih-alih serupa, ia menggerakan kain tersebut dengan pola gerak yang berbeda. Ia kibaskan ke kiri dan kanan membentuk pola silang berjalan ke depan panggung, dan berjalan mundur.

Setelah itu, kain tersebut ia jatuhkan dengan posisi tubuh tegap dengan tangan direntangkan ke atas dengan wajah yang menengadah. Secara cepat rambutnya ia urai dan menggeliat di tempat. Kendati ia bergerak dengan pola gerak yang lebih bebas, namun ia tetap melakukan gerakan yang berulang. Tata suara pada kain kedua ini didominasi oleh suara dengungan besi.

Kemudian ia membungkuk mengambil kain berwarna abu-abu yang terletak di bagian belakang panggung. Tidak jauh berbeda, ia mengibaskan kain tersebut dengan pola yang berlainan pula. Jika lainnya digerakan di bagian depan tubuhnya, pada kali ketiga ini kain tersebut digerakan di bagian belakang tubuhnya—laiknya orang menggenakan selendang. Ia berjalan maju ke arah panggung, dan kembali mundur ke area belakang panggung. Kembali kain ia lepaskan, dengan gerakan laiknya menggenggam kain, ia melangkah ke bagian kanan panggung secara perlahan. Tata suara pada bagian ketiga ini adalah suara desiran ombak yang terdengar sayup-sayup.

Di sisi kanan panggung ia kembali menarik sebuah kain berwarna cokelat. Berbeda dengan eksplorasi pada tiga kain sebelumnya, ia memeluk kain tersebut sembari berjalan ke depan panggung. Kemudian ia menghempaskan kain tersebut ke tanah sembari melakukan eksplorasi gerak tangan dan perut. Alih-alih diletakan di tengah panggung serupa dengan kain lainnya, kain keempat ini ia letakan di sisi kanan depan panggung.

Setelah meletakan kain tersebut, ia menarik kain cokelat lainnya yang berukuran lebih besar. Tidak seperti sebelumnya, ia menggelar kain tersebut dan membuat gelombang—laiknya ombak. Ia letakan kain tersebut sembari ia berjalan di atas kain yang tengah ia rentangkan. Kemudian ia menarik kain tersebut dan kembali menggendong kain tersebut kemanapun ia pergi. Tata suara pada dua kain cokelat ini merupakan hasil kombinasi dari suara kapur, dengungan besi, serta ombak.

Tidak lama berselang, pencahayaan semakin gelap dengan suara ombak yang semakin besar. Dua laki-laki orang berbadan tegap berjalan ke tengah panggung. Mereka menarik kain kain-kain tersebut, lalu menggelarnya satu per satu, mulai dari cokelat, hitam, hitam, serta abu-abu. Sementara kain digelar oleh kedua laki-laki, Isabelle menari di antara kain yang tergelar. Di kain terakhir, Isabelle telah tertelungkup. Yang cukup disayangkan, pergerakan kedua laki-laki tersebut justru menggangu kehadiran Isabelle kendati cahaya telah dibuat samar-samar.

Der Bau, Koreografi yang berangkat dari novel Franz Kafka, yang membahas  tentang tubuh dan sarang (Foto: Laurent Goldring)

Kain telah tergelar dengan rapi, pencahayaan kembali membaik. Perlahan ia menarik kain-kain tersebut dengan gerak tubuh yang menggeliat. Keempat kain tersebut ditarik oleh Isabelle menuju ke dirinya. Lantas Isabelle mulai merayap, berputar, berguling hingga setiap lekuk tubuhnya tertutup kain menyerupai bahan yang membuntal. Yang menarik, kerap kali penonton tidak dapat menduga posisi tubuh Isabelle secara jelas ketika ia berputar.

Setelahnya ia kembali berguling ke satu sisi dan ke sisi yang lain untuk beberapa saat. Hingga pada akhirnya ia terdiam di tengah panggung. Seketika lampu padam dengan kombinasi bunyi yang semakin nyaring. Lampu kembali menyala, hanya tersisa kain yang tergulung berada di tengah panggung. Tanpa tubuh di dalam kain tersebut, atau dapat dibaca sebagai tubuh yang telah menyatu. Integral!

“Sarang” yang Niscaya Berulang
Ketelanjangan, gerak yang tidak indah, pencahayaan yang suram, dirasa cukup membuat penonton mengerenyitkan dahi di dua hari pentas. Banyak dari penonton yang berekspektasi lebih dan pulang dengan wajah tidak tenang (gusar hingga wajah berfikir). Namun Isabelle dan Laurent agaknya menyengajakan hal tersebut. pasalnya dari hal tersebut pelbagai macam dialog di dalam diri terjadi. Salah satunya adalah tubuh telanjang yang tidak melulu dianggap sebagai objek eksotik atau erotik, tubuh telanjang dapat ditautkan sebagai tubuh anatomis, historis, sosial, ataupun kultural.

Terkait dengan hal ini, pemaknaan karya menjadi sangat beragam. Hal ini pun memang tidak dapat ditampik oleh Isabelle. Kendati ia hanya menautkan interaksi tubuh dan ruang yang terinspirasi rahim, namun pelbagai ruang yang ia bangun dapat dibaca sebagai ruang dan tubuh yang beragam. Seperti halnya kain yang dapat diterjemahkan sebagai kompleksitas atas interaksi tubuh dan ruang, mulai dari urusan sosial, hingga kultural. Secara lebih lanjut, rahim dapat diartikan sebagai ‘kelahiran’ yang tidak melulu secara biologis, tetapi dapat bersifat sosial, politik, kultural dan pelbagai kontekstual lain hasil dari dialog tubuh dan ruang.

Isabelle Schad, sang penari tunggal, memutuskan untuk tidak mengenakan sehelai busana pun di dalam karyanya Der Bau (Foto: Laurent Goldring)

Hal ini dapat ditautkan dengan apa yang dimaksud Kafka dengan sarang yang hidup dan menyatu pada tubuh. Sarang sebagai ruang tubuh yang terbentuk karena interaksi, maka jejak, bau, harapan, dan sebagainya terbaca sebagai hal yang paling sederhana terbentuk sebagai bagian dari tubuh. Secara lebih lanjut, sarang pada tubuh dapat didekati dengan konsepsi habitus milik Pierre Bourdieu. Di mana kerja habitus menyimpan pelbagai macam modal yang bertarung pada medan (field) atas hasil praktik pada trayektori, baik individu ataupun kolektif. Di sinilah ‘sarang-sarang’ kita terbentuk.

Bertolak dari hal tersebut, hasil percakapan tubuh dan ruang inilah yang diangkat oleh Isabelle dan Laurent. Hal yang kiranya remeh, namun selalu dan terus terjadi pada tubuh manusia, baik dulu, kini, atau masa depan. Sebuah kesadaran bahwa ‘sarang-sarang’ akan terus terbentuk bersama sang empunya interaksi, manusia. Ya sederhananya, interaksi itu memang berarti.[]

*Penulis hadir atas undangan Goethe-Institut Indonesia.

Ruang Belajar Bintang Harau; Generasi Kreatif, Generasi Kultural

oleh teraseni | Agu 2, 2017 | Uncategorized

Rabu, 2 Agustus 2017 | teraSeni.com~

Semenjak Fahrul Huda menghibahkan rumah gadangnya guna mengembangkan seni budaya bagi anak kemenakannya, rumah gadang pasukuan Pitopang itu memainkan fungsinya yang baru: ruang belajar. Anak-anak dari berbagai latar belakang, jenis kelamin dan kisaran umur mulai berdatangan. Di sana, mereka boleh melakukan apa yang mereka bisa dan maui. Menari, menggambar, menyanyi, memukuli talempong, membuat puisi. Semua itu mereka lakukan di sela-sela sekolah yang kini telah menjadi suatu kewajiban formal yang melelahkan dan telah menjadi demikian menghimpit serta menyita masa kanak-kanak mereka.

Awalnya rumah gadang itu adalah rumah bagi Komunitas Lembah Harau, komunitas seni budaya yang didirikan masyarakat Lembah Harau, yang diketuai oleh Fahrul Huda sendiri. Kini, komunitas itu bertambah luas dengan adanya Ruang Belajar Bintang Harau dan berinduk pada Yayasan Bintang Kidul, Yogyakarta—sebuah yayasan yang bergerak di bidang pendidikan alternatif di luar sekolah formal dengan konsentrasi pada kesenian, olahraga khususnya badminton, serta sains. Anak Yayasan Bintang Kidul tersebar di 5 kota di Indonesia yaitu di Pati, Jogjakarta, Bekasi, Padang, dan Lembah Harau Lima Puluh Kota.

Penampilan Tari Pasambahan oleh Anak-Anak Bintang Harau dalam Pembukaan Ruang Belajar  mereka (Foto: Roni Putra)

Semua terjadi setelah selesainya Pasa Harau Art & Culture Festival pertama, sekitar setahun yang lewat. Sedikit banyak, festival itu telah membawa suatu kesadaran dan rasa butuh akan seni budaya dalam masyarakat Harau. Benih-benih yang telah ditanaman oleh Komunitas Lembah Harau, menemukan persemaiannya yang baru.

Penulis sendiri adalah salah seorang penyelenggara Pasa Harau Art & Culture Festival serta salah satu volunteer awal yang menginisiasi Ruang Belajar Bintang Harau. Ruang Belajar Bintang Harau diinisiasi berdasarkan pengamatan terhadap dua soal, pertama soal pendidikan, dan kedua soal kesenian, maka penulis sebut saja pendidikan kesenian.

Pertama, Pendidikan kesenian kita hari ini seolah tidak mendapat perhatian yang proporsional, pendidikan seni masih dianggap kurang penting bila dibandingkan dengan mata pelajaran yang lain. Pengajaran kesenian di sekolah hanya (nampak) sibuk ketika sekolah itu mengikuti perlombaan-perlombaan seni budaya tertentu, setelah perlombaan usai maka kesenian di sekolah kembali sepi seperti lekuk ditinggal air. Kedua, kesenian tradisi kita, yang melulu hidup diantara konvensi dan modernisasi: antara ketakutan akan kehilangan nilai-nilai yang tradisional di satu sisi, dengan keharusan yang tradisional dalam merespon perkembangan teknologi informasi/modernisasi yang tidak terbendung di sisi lainnya.

Maka berdirilah Ruang Belajar Bintang Harau, yang berlokasi di Lembah Harau, Kanagarian Harau, Kecamatan Harau, Kabupaten Limapuluh Kota, Sumatera Barat. Ruang Belajar Bintang Harau bertujuan untuk menciptakan ruang berproses untuk menggali potensi anak-anak dengan membebaskan hasrat kreativitas keluar sekehendak hati mereka, dan dengan semangat tradisi, kemudian meramunya dalam sebuah struktur yang dinamakan kesenian, baik itu tari, musik, gambar, puisi, dan teater.

Suasana Pertunjukan malam hari  dalam Pembukaan Ruang Belajar Bintang Harau  (Foto: Roni Putra)

Setelah berproses latihan selama lebih kurang 7-8 bulanan, barangkali ada sebagian masyarakat Harau yang bertanya-tanya apa pula yang diperbuat oleh anak-anak dengan menyanyi dan menari di dalam sebuah rumah gadang saban sore hari? Sekiranya sudah selayaknya pula diberitakan kepada masyarakat apa yang telah mereka lakukan di ruang Rumah Gadang yang tak lagi ditinggali itu. Dan bertepatan dengan Hari Anak Nasional, Minggu 23 Juli 2017, dengan tajuk “Pendidikan Alternatif Sebagai Ruang Menimbun Pengalaman Bagi Anak-Anak Kreatif” Ruang Belajar Bintang Harau diresmikan beserta perpustakaan dan lapangan badmintonnya dengan menggelar pentas seni yang berisi pertunjukan tari, musik, drama, puisi, pantomime, pemutaran film, pameran foto, serta menggambar bersama dengan media triplek sepanjang 6,6 meter persegi.

Peresmian tersebut dihadiri oleh direktur Yayasan Bintang kidul Jogjakarta, konsultan Yayasan Bintang Kidul, serta jaringan Yayasan Bintang Kidul yang tergabung dalam jaringan Solibad (Solidaritas Badminton) Internasional. Para tamu disambut dengan Tari Pasambahan, para penari yang terdiri dari puluhan anak-anak Bintang Harau.Malam harinya, selesai sholat isya, penonton yang terdiri dari masayarakat, para orang tua dari anak-anak Bintang Harau, berdatangan memadati area pertunjukan (lapangan badminton) yang telah disulap sedemikian rupa. Instalasi lampu-lampu menerangi area, lampion-lampion yang dibuat dari songkok ayam yang dililit dengan kertas minyak dan digantungkan pada tripod yang dibuat dari bambu, disebar di area.

Pada Jam 20.30, rangkaian acara dilanjutkan, agak molor dari jadwal yang sudah ditetapkan dalam rundown. Pertunjukan dibuka oleh penampilan pantomime dari Sekolah Dasar Raudhatul Jannah Kota Payakumbuh. Pantomime yang dilakoni oleh Ibnu Zhafran Yakub dan Bagas Syah Perdana ini membawa warna tersendiri, pertunjukan dengan ciri khas make up yang serupa topeng itu diminati oleh penonton, sesekali gelak tawa buncah ketika mereka berhasil menebak dan menangkap adegan-adegan yang diperankan oleh pelakon.

Permainan Talempong dan Gendang oleh Anak-Anak Ruang Belajar Bintang Harau  (Foto: Roni Putra)

Tepuk tangan riuh bercampur haru terdengar setelah anak-anak Bintang Harau membawakan lagu ciptaan mereka, lagu yang dibawakan dengan aransemen sederhana menggunakan alat musik pianika dan gitar akustik. Walau sederhana secara musikal, lagu ini muncul dari hasil olah pikir mereka sendiri atas alam yang menampakkan diri: lembah, sarasah, dan bukit batu, serta kebiasaan-kebiasaan masyarakat Harau. Hingga petang menjelang bapak turun ke ladang//sementara para ibu menjerang rindu// kanak-kanak berlari tebing-tebing menari//senja pulang pada ibu dalam dekap rindu. Mereka seolah menyanyi mengiringi langkah orang tua mereka mendaki bukit memanen kerinduan.

Penonton yang hadir selanjutnya menyaksikan pertunjukan musik dan tari dari sanggar Puti Ambang Bulan dari jorong Sikabu Tanjung Haro Padang Panjang Kecamatan Luak, Kab. 50 kota. 4 orang anak masuk membawa kayu serupa stik, mendekati gendang yang tingginya hampir sama dengan mereka, meski masih kanak-kanak mereka tampak begitu tangguh. Adrenalin mereka terpacu mengikuti pola ritmis perkusi gendang yang mereka pukul, tampak kepala mereka mengangguk-angguk sesuai ritma gendang. Pola demi pola dimainkan, sesekali dimainkan dengan rampak.

Setelah memainkan komposisi perkusi kemudian mereka pindah ke instrumen talempong yang sudah disusun serupa ansamble. Ada talempong yang digunakan untuk melodi, ada yang hanya memainkan akord. Penonton bertepuk tangan mengikuti irama talempong. Tak lama kemudian para penari masuk, mereka menarikan kegembiraan kanak-kanak yang riang. Beranda Rumah Gadang dimanfaatkan untuk memamerkan beberapa foto proses kreatif anak-anak Harau, juga foto-foto masyarakat yang sedang memanen hasil sawah ladang, foto ibu-ibu yang sedang duduk didepan rumah bersama anak-anak mereka, foto anak-anak bermain layang-layang.

Dua film diputar malam itu dan sebuah video klip kreasi anak-anak Bintang Harau. Film pertama berjudul Bajuang, sebuah film produksi mahasiswa Institut Kesenian Jakarta yang diproduksi di tahun 2014 yang berlokasi di Harau. Film ini menceritakan bagaimana perjuangan hidup Hasan dan ibunya setelah bapaknya meninggal dunia. Penghasilan ibunya sebagai ibu rumah tangga yang tidak seberapa tidak sanggup lagi membiayai sekolah Hasan, hingga Hasan tidak lagi bisa melanjutkan sekolahnya. Hasan, yang mewarisi keterampilan almarhum bapaknya dalam pacu itiak, permainan rakyat khas Kab 50 Kota, pada akhirnya bisa melanjutkan sekolahnya setelah itik kesayangannya yang diberi nama Buyung, yang dilatihnya sekuat tenaga, berhasil memenangkan perlombaan pacu itiak.

Penampilan Pantomime Oleh Salah Seorang Anak Ruang Belajar Bintang Harau  (Foto: Roni Putra)

Film kedua berjudul Sekolah Bintang. Film yang diproduksi oleh Yayasan Bintang Kidul ini menceritakan bagaimana kehidupan Kampung Lapak (kampung pemulung di Bekasi). Anak-anak di Kampung Lapak hidup sehari-hari dengan sampah, rumah mereka seolah dibangun dari tumpukan-tumpukan sampah. Menjelang subuh mereka sudah bangkit dari tidur, memakai atribut pemulung, menyandang karung goni serta besi yang ujungnya berpengait lalu mulai berdinas, membolak-balik sampah sekiranya ada sesuatu yang bisa dijadikan uang untuk penyambung hidup.

Meskipun mereka terpisah dari kehidupan kampung lainnya, Kampung Lapak mempunyai tata kehidupan sendiri, mereka mempunyai sekolah sendiri yaitu sekolah lapak, sekolah tempat berbagi rasa, berbagi nasib, juga punya kegiatan olah raga berupa futsal, badminton, sehabis memulung sampah-sampah mereka berangkat sekolah (sekolah lapak), sorenya mereka berolahraga.
Moment yang paling mengharukan malam itu barangkali adalah ketika pemutaran video klip Bintang Harau. Lagu yang dibuat dari puisi penyair Payakumbuh Iyut Fitra yang berjudul Orang Lembah dengan musik yang diaransemen oleh Ruang Kreatif La Paloma itu menjadi hits setelah videonya diproduksi oleh anak-anak muda kreatif kota Payakumbuh, Payakumbuh ArtSpace.

Di sini, penulis bisa melihat, para orang tua—yang sehari-hari sibuk bekerja—yang ikut menonton, seketika terenyuh begitu melihat anak-anak mereka berada dalam frame video yang diputarkan pada screen sebesar 3×4 meter sambil bernyanyi, bermain di pematang sawah, menyapa petani di sawah dan ladang, memperlihatkan alam Harau. Entah bagaimana, video itu seperti mengingatkan kembali akan senyum anak-anak mereka yang sering luput atau keceriaan remeh pematang sawah yang mampu membuat dua atau tiga air mata meleleh tanpa disadari. Sebelum ditutup dengan penampilan karya drama tari Gadis Harau, ada diantaranya penampilan beberapa reportoar tari dari anak-anak Bintang Harau, seperti Tari Panen, Tari Malapuak Niru, dan Tari Nirmala yang geraknya adalah hasil kreasi mereka sendiri.

Pada penghujung acara, sebuah drama tari dengan koreografer muda kota Payakumbuh Andi Porong, ditampilkan. Tari yang terdiri dari 3 bagian ini menceritakan masa kanak-kanak dengan para penari anak-anak ditandai dengan permainan-permainan masa kecil anak-anak, kemudian masa remaja yang ditandai dengan lonjakan puberitas, serta masa kedewasaan dimana gadis Harau mulai merenungkan kedirian mereka: apakah akan menjadi perempuan yang terkurung oleh lembah sarasah sebagai simbol tradisi atau memilih rantau sebagai simbol modernisasi, lalu dimana mereka akan menempatkan diri diantara keduanya.

Penampilan Tari  oleh Anak-Anak  Ruang Belajar Bintang Harau  (Foto: Roni Putra)

Secara keseluruhan pertunjukan yang dihadirkan tentu sangat berkesan bagi semua penonton yang hadir malam itu. Diantara para orang tua tidak menyangka bahwasanya anak kemenakan mereka yang biasa malu-malu ternyata punya potensi besar dalam hal pengembangan diri melalui proses kreatif kesenian. Mereka mulai menyadari bahwa mereka punya generasi kreatif yang akan membangkit gairah seni yang selama ini terkubur dalam di Nagari Harau, anak kemenakan yang akan kembali menyemarakkan kampung nagari Harau dengan ekspresi kultural berupa permainan-permainan dan kreativitas-kreativita kesenian.

Satu hal yang dirasa mengganggu pada malam itu hanyalah soal penampilan luar saja. Di hampir semua reportoar, anak-anak menggunakan make up sangat berlebihan sehingga kesan anak-anaknya hilang dan mereka tampak seperti orang dewasa. Di luar itu semua, persoalan tetek bengek pertunjukan lainnya seperti lighting, blocking panggung, garis panggung antara penonton dan performer, penonton yang dilarang makan dan minum, atau ukuran-ukuran adiluhung lainnya bukanlah sesuatu yang menjadi persoalan di sini, karena mereka, penonton dan performer, hanya sama-sama ingin mengungkapkan ekspresi kehidupan, ekspresi pengalaman-pengalaman kreatif, sehingga kesenian menjadi penting sebagai media mempertemukan berbagai persoalan dalam masyarakat secara damai.

Lengger Lanang dan Kesaksian Otniel Tasman

oleh teraseni | Jul 27, 2017 | Uncategorized

Kamis, 27 Juli 2017 | teraSeni.com~

“Sejauh mengenal lengger, saya seperti punya agama tersendiri. Ketika berdandan selayaknya perempuan, menari di hadapan penonton, itulah surga nyata yang saya rasakan.”

Ia mengenal tari dari panggung dangdut, kelas tiga SD—dan tak lama setelahnya berhasil menjuarai joget agustusan. Beranjak kelas empat, gerak Jawa Klasik mulai menertibkan tubuh egaliternya. Cerita pun segera berulang: Otniel kecil menjuarai tari gagahan tunggal tingkat kecamatan. Ketika menempuh kepenarian di SMKI Banyumas, meskipun sering bolos sekolah, ia sudah menari di Jakarta untuk perayaan Hari Baca Buku Sedunia. Pada bulan-bulan tertentu, Otniel remaja memang kerap kebanjiran job menari cucuk lampah; dari satu hajatan manten ke hajatan manten lainnya, dari satu kampung ke kampung lainnya, dari satu pelosok gunung ke pelosok gunung lainnya. “Sampai bosan,” selorohnya. Tapi ia senang menyaksikan dirinya bisa menjadi seorang remaja berpenghasilan. Secara halus, Otniel menolak kalau dikatakan gemar membolos. “Jaraknya jauh. Lagi pula, kelas sering kosong. Muridnya cuma delapan orang. Gurunya banyak yang sudah sepuh. Gimana lagi, satu-satunya SMKI (yang saat itu) berstatus swasta dari delapan SMKI yang ada di seluruh dunia.” Ia tertawa.

Semulai belia, Otniel dikenal multi talenta dan punya ketenaran. Selain menari, ia juga pandai menggambar, nembang macapat, bermain piano dan suling. Tapi sejak menyentuh gerak Jawa Klasik—meskipun pada akhirnya tak berselera dengan aura ke-adiluhung-an khas keraton raja-raja, ia merasa jiwanya hidup dari dan untuk tari. Bahkan, ketika masih SMP, telah ada bayangan ISI Surakarta di dalam benakya. Otniel remaja telah paham dan orang-orang di sekitarnya turut menyaksikan: anak muda yang ditinggal minggat bapaknya ketika masih berusia tiga tahun itu, kelak, akan menjadi penari kondang. Yang banyak orang tidak tahu: sang ibu, sebenarnya, ingin menyaksikan anak terkecilnya tersebut dewasa sebagai seorang pastur.

Otniel Tasman, Koreografer Tari Kontemporer yang terinspirasi oleh Lengger Banyumasan (Sumber Foto: https://europalia.eu/files/image/ Otniel_Tasman__Arief_Budianto.jpg)

Otniel Tasman, lahir tahun 1989, di desa Kedunguter yang tergolong sepi dari kesenian lengger. Ia tumbuh tanpa figur bapak dalam keluarga Kristiani yang religius. Tapi kakak lelaki tertuanya menjadi sosok pengganti yang, tentu saja, tak sepenuhnya berhasil memulihkan sebentuk nganga dalam dirinya. Sang ibu adalah seorang single parent untuk empat anak dan harus menanggung biaya kebutuhan hidup mereka dengan jerih payah. “Jadi, ya, kelimpungan,” kenang Otniel. Ia sangat mencintai perempuan itu, meskipun sempat ngambek tiga minggu karena tidak mendapat restu mendaftar sekolah di SMKI Banyumas (kini SMKN 3). Sikap keras kepala ini, di kemudian hari, memboyong bakatnya menuju jurusan tari ISI Surakarta dan panggung-panggung prestisius di Indonesia. Bahkan, pada usia yang relatif muda, ia telah mencicipi residensi seniman dan tour seni pertunjukan ke sejumlah negara.

Otniel remaja bergaul dalam dialeg panginyongan. Tapi “sejarah resistensi Banyumasan” dan “spiritualitas tlatah Jawa ngapak” mulai disadarinya, atau menjadi kesadaran baru, ketika ia sudah indekos di Solo—melalui sebuah peristiwa yang mungkin, bagi sebagian orang, tampak sepele: sebuah perkenalan dengan seseorang. Di Wisma Seni Taman Budaya Surakarta, dalam acara Festival Kesenian Rakyat 2011, kali pertama ia bertatap mata dengan Dariah. Sosok yang agaknya, bagi Otniel, mewarisi sebuah persona untuk kerinduan manusia modern akan mitos. “Kharismatik,” kenangnya. “Selayaknya perempuan yang memang terlahir sebagai perempuan. Anggun, di usianya sekarang, yang telah di penjelang satu abad.”

Ada kekaguman yang dalam dan rasa percaya yang penuh, ketika disampaikannya kesaksian itu. Keakraban mulai terjalin selepas perjumpaan pertama mereka. Tapi Otniel yang dikenal periang, baru berani mencandai Dariah lima tahun kemudian. “Mbah, kamu ini sebenarnya laki-laki apa perempuan?” ujarnya. Spontan, dengan raut wajah yang mendadak tegang, sosok lengger lanang tersebut mengutarakan jawaban mengejutkan, “Wani piro?”. Sejak percakapan inilah, “inyong” dalam biografi bahasa Otniel, ia yakini sebagai “indhang” bagi karya-karya koreografinya. Di atas panggung, tubuh-tubuh yang ditampilkannya seakan-akan berkata, “Inyong saiki ngindhangi Mbok Dariah!” Tapi dalam kehidupan sehari-hari: Otniel Tasman adalah Otniel Tasman.

Dari sanalah, “ruh resistensi” yang sebelumnya tidak Otniel miliki, sedikit demi sedikit, mulai ia mengerti dan selanjutnya memberi sejenis “jurus negosiasi” untuk keterbelahan tubuhnya; antara dangdut, lengger, dan beyoncé. Ia mulai membaca kampung halamannya sebagai ladang kreatif yang terbuka dan terluka—oleh kolonialisme maupun penaklukan Mataram Islam. Ia menyimpan angan kuat mementaskan riwayat hidup Dariah. Seakan sedang meramu obat untuk memulihkan semacam kegugupan dan kegagapan, tradisi yang ramah dan rapuh itu, agar ia terkoneksi dengan modernitas dalam sebentuk pernyikapan-penyikapan yang rileks.

Semirip Otniel, Dariah mengadopsi figur bapak dari kakeknya semenjak berusia lima tahun. Ia terlahir sebagai bayi laki-laki di desa Somakaton, kecamatan Somagede, tak lama setelah meletus peristiwa Sumpah Pemuda. Dariah, yang memiliki nama kecil Sadam ini, tumbuh dalam situasi ekonomi keluarga yang jauh dari cukup. Dalam bayangannya, dengan menjadi seorang lengger, ia bisa memperbaiki kondisi ekonomi keluarga. Sadam memang memperlihatkan ketertarikan pada kesenian lengger semulai bocah dan gemar rengeng-rengeng (bernyanyi dengan suara lirih) dalam aktivitas sehari-harinya. Tapi menjadi pelengger tidaklah seremeh menjadi artis sinetron di masa sekarang. Piawai dalam menari dan nembang, cumalah prasyarat teknis. Lebih dari itu, untuk memperoleh semacam “babtis kultural,” ada pengorbanan yang mesti ditanggung, yakni: hidup secara penuh-utuh sebagai sosok perempuan. Menjadi seorang pelengger, seperti memilih “sebuah via dolorosa,” dengan janji kesendirian pasti, pula relasi pertalikasihan yang terancam runyam.

Sadam kecil pergi ke berbagai tempat agar dirinya punya kesanggupan menjadi seorang lengger. Di tengah kecemasan dan perenungannya akan ketidakberuntungan nasib itu, sebuah panggilan gaib datang kemudian mengubah segalanya: bermula dari perjumpaannya dengan Kaki Danabau, (seorang musafir) yang mengatakan kepadanya, bahwa kelak, ia akan menjadi seorang pelengger yang masyur—pada suatu malam, Sadam mendengar “tuntunan aneh”. Ia mengikuti panggilan itu, berjalan menempuh jarak tak kurang dari 40 kilometer, tanpa tahu ke mana dan kapan suara tersebut akan memberi isyarat berhenti untuk langka kakinya. Tapi kemudian ia tahu: suara itu mengantarnya kepada makam Panembahan Ronggeng, di desa Gandatapa, kecamatan Sumbang. Seusai pengalaman eksistensial inilah, Sadam mengganti namanya menjadi Dariah, sekaligus meresmikan dirinya sendiri sebagai lengger lanang—yang, 70 tahun kemudian, menjadi yang terakhir.

Keluarga menyambut tekad Sadam untuk menjadi pelengger dengan kerelaan, pun masyarakat. Orang-orang tak hanya memberinya restu, bahkan juga kekaguman dan rasa hormat. Karirnya yang memula di masa penjajahan Jepang, cepat melesat. Pada tahun 1945, ia telah memperoleh popularitas, telah diperebutkan banyak laki-laki; sedari yang “muda-bujang” sampai yang “jago-kapuk.” Kenyataan tersebut membuat masyarakat segera percaya, bahwa Dariah adalah tubuh yang “ketiban indhang”. Kepopuleran itulah, yang pada gilirannya, mengilhami Otniel untuk mementaskan persembahan karya tari berjudul Lengger Laut. Satu nomor produksi yang juga membuatnya memperoleh jangkauan antusiasme lebih luas dan memulangkan namanya sebagai salah seorang “putra Banyumas” yang punya sumbangsih—memicu kembali ramainya kesenian lengger. Di desa Otniel tinggal, pertunjukan lengger terakhir kali digelar tahun 1994.

Otniel, sebenarnya tak sekali pun tampil sebagai sosok perempuan di atas panggung di kampung halamannya. Semulai SD sampai SMA, ia selalu tampil sebagai penari laki-laki. Diceritakannya: tahun 2016 ia diminta mengisi acara agustusan di desanya, karena tetangga-tetangganya tahu, ia sudah melanglang buana ke mana-mana. “Terus saya putuskan menari lengger di depan mereka, untuk kali pertama. Setelah bertahun-tahun lamanya tak ada pertunjukan lengger,” ungkap laki-laki yang tengah menyiapkan studi masternya itu. “Yang membuat saya deg-deg-an, ekspresi mereka ketika menonton saya yang berdandan perempuan. Dan yang paling spesial: saya menari di hadapan ibu dan keluarga.”

Dalam pementasan itu, Otniel mendengar iringan musik seperti membangkitkan keringat dinginnya. Tapi ia mencoba iklas, berserah diri, menjauh dari semacam paranoia. Saat tubuhnya mulai menari, ia perhatikan satu per satu mata para penonton. “Mereka senyum-senyum,” ujarnya. “Dua kali saya amati mata dan senyum-senyum itu, sebelum merasa pasti bahwa mereka tak melihat saya dengan tatapan yang aneh, jijik, atau apalah yang terkesan negatif. Saya pun masih melihat rasa senang, bahagia, pada raut wajah mereka. Jadi, ya, make sure sajalah. Bahkan ketika turun panggung, mereka minta foto bareng dan berkata, tahun depan lagi ya, Niel. Rasanya senang sekali. Sejauh ini, perayaan agustusan tersebut menjadi salah satu momen terindah dalam karir kepenarian saya.”

Pengalaman tersebut memberi kelegaan tersendiri bagi Otniel dan semakin memantapkan konsep kesenimanan yang diusungnya. Selain, tentu saja: Lengger Laut—yang mendapat sambutan amat baik dari beragam kalangan dan berkesempatan tampil di banyak panggung prestisius. Di bulan Oktober nanti, tiga tahun setelah pementasan pertamanya, karya masterpiece itu dipastikan turut ambil bagian dalam gelaran (bienale) Europalia Festival 2017 yang memilih Indonesia sebagai tamu kehormatan. Indonesia menjadi yang pertama dari kawasan Asia Tenggara.

Lengger Laut, sebenarnya karya yang tertunda. Ketika angan itu datang, Otniel tak punya cukup uang untuk biaya penelitian dan tampilan pertunjukan yang ia bayangkan. Namun di tahun 2013, suatu kebetulan di Ancol – Jakarta, memberinya langkah alternatif. Tanpa sengaja, dijumpainya serombongan pengamen lengger asal Banyumas. Ia pun merasa terpanggil. “Miris,” keluhnya. Enam bulan kemudian, penceritaan yang berkembang melalui serangkaian riset sekaligus ziarah sejarah ini, tampil terolah di Teater Kecil ISI Surakarta—berjudul: Barangan. Dalam prosesnya, untuk sebentuk totalitas, Otniel sempat ikut ngamen di Malioboro bersama mereka, dan sempat mengalami pengusiran di situ.

Barangan adalah karya pertamanya yang secara khusus mengangkat tematik lengger Banyumas. Menurut pengakuan Otniel, pertunjukan yang diproduksinya untuk tugas akhir perkuliahan itu, mendapat sambutan sangat baik dari penonton. Segar dan berisi. Penggarapan karya tari yang, oleh sejumlah dosen dijadikan rujukan bagi mahasiswa-mahasiswa tingkat akhir lainnya tersebut, menjauh dari instrumentasi koreografis yang melulu menyandarkan estetika kepada komposisi gerak. Suatu tampilan yang cukup tipikal bagi produksi karya tari di lingkup pergaulan kreatif ISI Surakarta. Barangan menyaji napas yang lebih antropologis, dengan sentuhan dramatik yang komplit, gestur etnisitasnya egaliter, tanpa kehilangan corak morak kontemporer yang representif menampilkan sejenis kepiawaian akademis. Namun yang paling berharga dari semua itu adalah ini: jalan yang semakin terbuka untuk kemudahan mengakses dana demi “memboyong Dariah” ke atas pentas.

Barangan, Salah Satu koreografi karya Otniel Tasman (Sumber Foto: https://i.ytimg.com/vi/ OZmgNdS-LCw/maxresdefault.jpg)

Bagi Otniel sendiri, jalur penting untuk memasuki narasi-narasi lisan kampung halamannya lebih dalam lagi adalah Dariah. Simpulan itu mulai dipahaminya ketika, pada tahun 2009, ia berjumpa Suprapto Suryodarmo. Salah seorang sesepuh dunia tari yang disegani itu menaruh ketertarikan khusus pada ketubuhan Otniel. Agustus 2016, Mbah Prapto melibatkannya sebagai salah satu penari untuk gelaran Srawung Candi Sakral di Goa Selomangleng, Kediri. Seusai pertunjukan bertajuk Lingga Kadewatan Mandala Selomangleng yang menampilkan “ritus penghayatan” atas sosok yang diambil dari Ardhanariswari, setelah melihat langsung dan menyentuh arca sebentuk patung itu, Otniel semakin yakin dengan “lelaku eksistensial” yang dalam falsafah Jawa terkenal dalam sebutan “nyawiji”.

Arca Andhanariswari merupakan persembahan sekaligus penjelmaan untuk Kertanegara, sosok maharaja kerajaan Singhasari yang dianggap berhasil mewujudkan rwa-binedha Siwa-Buddha sebagai “Sang Hyang Tunggal” ketika masa pemerintahannya. Hibriditas Ketuhanan ini menjadi bekal, cikal bakal, toleransi antar umat beragama yang memuncak di masa kerajaan Majapahit. Dalam kemewujudannya, patung itu berbentuk acyntia: setengah laki-laki (ardha: Bhatara Siwa) dan setengah perempuan (nari: Dewi Parwati)—dan dipahami sebagai kedua-duanya, tapi juga sekaligus bukan kedua-duanya. Bersifat ana-tan-hana, “keberadaan yang tiada” dan “ketiadaan yang ada”. Melalui perkenalannya dengan Ardhanariswari, Otniel kian mendekat dan semakin mengerti, bahwa sosok Dariah merupakan representasi kuat dan tepat atas metode mengolah diri (nyawiji), yang kini jarang dipercaya dan ditinggalkan banyak orang itu.

Sebab itulah, sebenarnya, Otniel agak tak nyaman apabila karyanya dianggap menitik-beratkan wacana (kesetaraan) gender. Menurutnya, “Melampaui itu.” Gagasan nyawiji merupakan sebuah proses, penghayatan hidup yang panjang, dan enggan mencukupkan antusiasme pada persoalan keberterimaan lingkungan sosial tertentu atas kedirian tertentu. Nyawiji merambah kebahagiaan melalui pokok-pokok pergulatan eksistensial yang tak hanya serius, tapi juga berlangsung terus-menerus. Pembacaan “jati diri yang tumbuh dari dalam” memang sudah semestinya tak berkenan menajami identitas tunggal, melainkan justru mengembalikannya kepada abstraksi; mendorong tapal batas ke tepi yang lebih luas untuk menjangkau sebentuk kebersamaan yang lebih leluasa. Bukan malah menebalkan atau menghapusnya. Sebuah resistensi dengan cara yang tak resisten. “Mungkin seperti Octopus, tubuh fluid yang meruang,” ujar Otniel. “Tapi yang sebenarnya lebih tepat: kelahiran baru.”

Seperti merawat pohon, ada keteduhan yang ditempuh untuk menampik kecurigaan masyarakat akan suatu bahaya kehadiran liyan. Tentu saja, bukan belaka soal orientasi seksual dan ekspresi indentitas arkaik, yang seringkali menjebak diri, dengan tampilan dan argumentasi politis yang agresif. Bagi Otniel, penyikapan semacam itu seharusnya sudah berlalu. Sebab dunia tradisi telah menyediakan cara-cara yang mutualistik. Berbagi ruang berarti datang melalui jalan negosiasi, tanpa resiko kehilangan “indeks-eksistenial”. Bhabha, seorang pakar poskolonial, menyebut jalan itu menuju “ruang ketiga”: ke-ber-antara-an, hibriditas diri. Kata Otniel, “Selarasnya kehidupan panggung dan sehari-hari. Yang terpenting, masyarakat di sekitar tidak resisten.”

“Nyawiji” adalah tentang mengolah keterbelahan. Kemeleburan indentitas yang bermula dari identifikasi diri oleh diri sendiri. Mungkin, mirip falsafah “manunggaling kawula gusti” dalam terapan antara diri dan diri yang lain. Dalam prosedural lelakunya, tentu berlangsung mondar-mandir, antara interioritas dan eksterioritas, antara apa yang disebut dengan jagad cilik dan jagad gedhe. Otniel sebenarnya mengadaptasi style resistensi ala Jawa ngapak. Penyikapan semacam ini telah ia tampilkan dengan lugas dalam salah satu karya tarinya yang merupakan fragmentasi kehidupan Dariah: No-She-He-Or-It. Bagi koreografer muda yang pernah mempertanyakan “konsep kesenimanan” Eko Supriyanto ini, kesaksian untuk Dariah taklah mencukupi apabila dipadatkan dalam satu judul penggarapan. No-She-He-Or-It merupakan yang ketiga, setelah Lengger Laut dan Penantian Dariah.

Lengger Laut merangkum biografi Dariah dalam sebentuk salutasi. Otniel memilih laut sebagai metafor untuk sang legenda lengger lanang. Kehadirannya adalah mata yang menatap dari luar. “Dalam perjalanan riset, saya melewati laut dan berhenti sejenak di sana. Dari kejauhan, laut itu (seperti Dariah): cemerlang. Ketika didekati, mung banyu (cuma air).” Ia tambahkan, “Ombak yang tampak indah, kadang dianggap membahayakan.” Ikonisasi Dariah memang membuatnya menjadi narasi megah. Tapi kesederhanaan dan keberartiannya dalam kehidupan sehari-hari yang seibarat air, “mung banyu”, kerap tak terlihat, tak dilihat. Lengger Laut merupakan “kronologi kehadiran” sosok Dariah pada tatapan publik; secara artistik lebih menguatkan tampilan arkaik lengger—juga dialog tubuh antara persepsi Otniel atas Dariah dan persepsi Otniel atas lengger itu sendiri. Sedangkan sisi tak terjamah Dariah yang seumpama air, “mung banyu”, merupakan kehadiran dari mata yang menatap dari dalam. Tatapan ini terpresentasi pada fragmentasi kedua: Penantian Dariah.

Popularitas yang dulu Dariah miliki tidak hanya mendatangkan suatu kemelimpahan, tapi juga menjadikannya objek dari tatapan negatif dan niat picik; memang tak mendapatkan antusiasme. Perihal penari lengger lain yang meredup di masa kejayaan itu, yang cenderung menaruh sinistik tertentu terhadap Dariah—meskipun mereka telah tahu, kesejatian seorang laut adalah jiwa yang berombak; memang tak mendapatkan antusiasme. Sejumlah laki-laki yang datang sukarela pada kekosongan hati Dariah, karena rasa penasaran, tak sedikit yang sekadar memberi harapan palsu atau merasa tak mendapat puas, lantas begitu saja meninggalkannya—setelah tahu: sebetapa pun mempesonanya Dariah, ia tetaplah seorang berkelamin laki-laki, atau seusai “percikan finansial” tak lagi cukup memberi basah; memang tak mendapatkan antusiasme. Dari narasi diri semacam itulah, Penantian Dariah memula.

Lengger Laut, Karya koreografi Otniel Tasman yang lain (Sumber Foto: http://salihara.org/sites/default/files/ 18529885926_7ea687c8f4_h%20copy.jpg)

Dalam fragmentasi kedua tersebut, Otniel menyaji “peristiwa menunggu” sebagai satu aktivitas sadar yang religius, filosofis. Ada kecemasan yang ditampilkan secara repetitif; bongkar-pasang brongsong gelung (wig hairstyle khas Jawa), kemben (kain khusus buat menutup dada), ngeliting (menyiapkan rokok secara manual), nginang (mengunyah selembar daun sirih, campuran kapur, biji pinang, dll)—untuk memperlihatkan “realisme magis” di bilik kamar, ketika Dariah bersiap menuju pentas. Juga adegan onani yang mengenapi pernyataan mengharukan atas sisi “manusia biasa” dalam diri seorang lengger lanang. Variasi raut wajah dan tubuh yang terus terdesak dan terpental ke sana ke mari menciptakan ritmik kesedihan berotot yang tertahan dalam semacam wadag. Penantian Dariah, mungkin sebuah melankoli yang asin dan biru. Sehampar rasa sabar yang luas untuk arus kepastian atau ketidakpastian yang misterius di kedalaman. Waktu seolah terus remaja dan berbisik kepada Dariah, “Ada yang akan tiba, entah apa, entah siapa.”

Lewat Penantian Dariah, Otniel seperti menggelar ruang percakapan antara “jagad cilik Dariah” dan “semesta Sang Pencipta”. Sebagaimana dirinya, ketika menjelang pentas dan teringat sosok religiuasitas ibunya. “Kalau soal itu, (relasi filosofis antara kehadirannya sebagai perempuan di atas panggung dan nilai-nilai Kristiani yang terlanjur dianutnya) terus saya gunjingkan dengan diri sendiri,” ungkap laki-laki yang kini bertindik dan mengecat rambutnya dengan warna pirang itu. Ditambahkannya, “Sejauh mengenal lengger, saya seperti punya agama tersendiri. Ketika berdandan selayaknya perempuan, menari di hadapan penonton, itulah surga nyata yang saya rasakan. Saya selalu meminta restu kepada Gusti Pangeran sebelum berpentas, atas apa yang saya jalani. Kalau mengingat-ingat hal itu, ya saya agak mbrebes mili (airmata yang mengalir mendahului kata-kata).” Dari pengakuan tersebut, sifatnya yang kocak, seakan-akan tak pernah ia miliki.

Bagi Otniel, jelajah kreatifnya atas Dariah adalah perjalanan untuk kesenimanan yang tak melulu mendambakan sorot kamera dan gemuruh tepuk tangan. Diakuinya, “Saya merasa seperti sedang menginvestigasi tubuh saya sendiri; menyadari proses apa saja yang telah saya lalui bersamanya, menemukan narasi-narasi baru, yang menjadi inspirasi dalam mengeksplorasi gerak untuk karya-karya tari saya selanjutnya.” Dari sosok Dariah, Otniel merasa menemukan cara jitu untuk terus bergerak maju menuju arena kontestasi identitas dalam ruang kultural yang telah terlajur modern, rasional, sekaligus chaotik. Tradisi Banyumas memberinya, “seblaka sesutane”—yakni semacam saran filosofis agar diri tampil sewajarnya, tanpa ada yang ditutup-tutupi. Selaras antara apa yang bergumam dalam hati dan kata yang terucap lewat mulut. “Lengger itu tubuh yang sederhana,” ujarnya. “Lebih populis, lebih jujur. Tergerak dari sebuah pandangan dan bergerak untuk sebuah pandangan.”

Otniel, seperti indhang lengger yang berpetualang ke dunia baru untuk merasuki paham dan cara pandang orang, terhadap keterbelahan tubuh. Pula cara pandang diri sendiri dalam mengolah dan mengelolanya. “Nyawiji” serupa Dariah—yang meskipun di atas dipan tidurnya mungkin masih rebah sebuah kesepian yang kian tua, tapi di kaki teras selembar lantai tempatnya melatih bocah-bocah menari, ia tetap riang berbagi lirik-lirik pangkur bersama tetangga-tetangga yang nampak menyayanginya; melafalkan gegendingan lawas yang, ketika masa kejayaaan dan mudanya dulu, sanggup ia senandungkan dengan syahdu. Kini lidahnya gampang keseleo dan ingatannya kerap melorot menjangkau sejumlah pengucapan kata. Tapi tekad untuk terus menari, mengingat siapa dirinya dalam gerak lengger yang memberinya bahagia, belumlah rontok. Meskipun waktu telah dipenuhi uban dan pohon-pohon terlihat kian abu-abu. Dari kejauhan, suara mereka tidak jarang memperdengarkan tawa lepas, seperti juga tawa lepas Otniel yang pernah menggema di dinding-dinding sebuah area parkir.

September 2016, Jakarta adalah kepanikan di bawah mendung tebal. Suhu yang pengap, mesin-mesin mobil yang bergantian menyala, datang dan meninggalkan, kemudian terdengar redam dan udara terasa sedikit sejuk. Hujan menderas. Panorama gedung-gedung jangkung mulai memudar dalam derainya. Di smoking area yang cukup kumuh dan terlempar itu, di lantai sepuluh Grand Indonesia yang berwibawa, Otniel menyaksikan hujan seolah-olah sedang menyaksikan uap laut setelah matahari membakarnya. Dari mulutnya, asap rokok berkepulan dan percakapan semakin tipis. Dalam kesyahduan ekspresi alam, sesekali, tatapan matanya beralih: membidik mata orang lain yang sedang membidiknya.” Tatapan yang beralih itu, serupa sebuah pintu yang terbuka dari dalam.[]